De como Dio devoró a Gio.

Todos tenemos un lado oscuro en nuestro interior, desértico o florido, según las personas, un paraje que unas veces sobresale y otras te engulle en su oscuro intrínseco.

Gio era un hombre alegre y cinéfilo, inteligente y vivo, gran amante de todas las artes y genial pintor; lo que se dice un hombre de mundo, vaya. Recuerdo cuando le conocí, era el único rockabilly con barba que pululaba por mi ciudad. Hoy en día bullen montoneras de rockabillys barbados por las ciudades de este país, pero hace treinta años él era de los pocos, no voy a decir el único, pero sí de los pocos.

Entre otras muchas cosas me contagió su devoción por el festival de cine de esta hermosa ciudad, Pasión infinita por el cine que aún, a día de hoy atesora. Juntos compartimos kilómetros de cintas e infinidad de risas y copas nocturnas. Era un gran bailarín, fumador de habanos, además de un gran conversador y pícaro ligón, siempre tras las chicas guapas, o menos guapas. Recuerdo que, en aquella época, vestía con beisbolera, zapatos boogies y barba, era como aquella canción que cantaban Dean Martin y Ricky Nelson,"My rifle, my pony and me".

Hasta que un día la vida le traicionó, o se sintió traicionado por ella, y ese día comenzó a cambiar. Todos tenemos un lado oscuro en nuestro interior, oscuridad que no queremos o pretendemos que no se exteriorice, pero a veces decide emerger de entre los poros de la piel y se materializa en forma de aura a nuestro alrededor. Ese aura salió del interior de Gio, haciéndose con él y con su personalidad, devorándolo. Parecía que esa materialización se afianzaba con los años, tranformándolo, asfixiándolo. Gio nunca se rebeló contra esa materia negra, la hizo suya, paladeándola y masticándola a cada instante. Con cada inspiración la hizo suya, la apalpaba y la disfrutaba como si fuera un tesoro. Cuando ese lado oscuro lo poseyó por completo, se hizo con su ser, con su cuerpo y con su alma, manifestándole sus más primarias preferencias.

Hoy en día Gio ya no existe, no existe aquella persona, con los años se ha ido transformado en Dio, no en Ronnie James Dio, sino en Diógenes, ese aura negra se ha apoderado de él. Ahora Diógenes se ha convertido en alguien huraño, descuidado y holgazán. Alguien que almacena diarios viejos y amarillos para, según dice, crear su propia hemeroteca casera, aunque su otro yo, su negra aura, percibe, al igual que percibimos muchos, que nunca alcanzará era meta, no porque no se lo proponga sino porque es un imposible y porque de entre tantos elementos acumulados, él mismo, como reconoce a veces, no sabe por donde empezar.

 Su metamorfosis le ha llevado años pero creo que ya está completada. Ahora se dedica a coleccionar todo tipo de cosas. Hacina sin control montoneras de libros, discos y amarillentos periódicos viejos. Al Dio actual no le importan los amigos más intimos, camaradas que, por otra parte, está perdiendo poco a poco, alejándolos de su vida mientras se encuentra absorto en el desorden de su hogar.

Gio finalmente se ha transformado en Dio y creo que se quedará así para siempre. Lo que más llama la atención de la gente en general, o mejor dicho, lo que percibe la gente es la hediondez, Dio hace semanas que no se lava los dientes, ni la ropa, ni el cuerpo. Su pelo rebosa grasa, caspa y suciedad y su ropa está llena de lamparones y de fragancia corporal.

Su almacenamiento hogañero no conoce límites, un día quería llevar para su casa unas sillas aparcadas al lado de un contenedor de basura, hasta que comprobó por si mismo que las sillas estaban allí por algo, porque estaban rotas. Asimismo almacena un videoclub entero colmado de deuvedés, una completa librería llena de libros, algunos interesantes y otros menos, además de un montón de televisiores y aparatos de tedeté que no sirven absolutamente para nada.

Muchos echamos de menos a Gio, pero hoy entre nosotros disfrutamos de su modificada personalidad, observamos detenidamente su nueva actitud y constatamos la realidad, Gio se ha transformado en Dio (genes).

Por suspuesto que nadie es quien para juzgarle, ni a él ni a nadie, pero es triste ver como alguien, que para más inri ha perdido su empleo, se consume en su miseria interior, mientras crece su desidia.

The Fathers Of The Fuckers Eyaculators.

Creí que nunca encontraría este vinilo, era uno de los objetos que más deseaba. El primer y único album de una de las mejores bandas hispanas de rock underground: "My son eyaculate in you" de los desconocidos, (exceptuando los círculos de coleccionistas compulsivos) The Fathers Of The Fuckers Eyaculators.

Sonó el móvil una soleada tarde de septiembre, era un conocido periodista musical, habitual de uno de los periódicos nacionales de mayor tirada y ex de la radio pública. Me dijo que lo había conseguido, que tenía dos copias originales casi nuevecitas, "las encontré en un mercadillo, en la calle y una copia es para tí. Te la envié por mensajería". No me lo podía creer, había buscado ese vinilo hasta por debajo de las piedras, los nervios me consumían, una especie de sudor frío, como cantaba Phil Lynott, recorría mi espalda, creo que balbuceé unas palabras antes de colgar el móvil. ¡En un mercadillo! ¡En la calle!

Al día siguiente el mensajero llamó a mi puerta, recogí el paquete y las manos me comenzaron a temblar, firmé el albarán y cerré la puerta rapidamente despidiéndome rapidamente. Abrí el paquete y allí estaba esa portada horrible, antología del mal gusto. Un tyranosaurio penetrando a otro. Supongo que una broma. En la contraportada la foto medio borrosa de los cuatro miembros de la banda, de la segunda formación ya que The Fathers grabaron la cara A con Markus a la guitarra y voz, Xab a la guitarra y voz, San al bajo y voz y Cheiri a la batería. En la segunda formación Frank sustituye a Markus y Quitos a Cheiri que logran, en la cara B, una contundencia jamás imaginada en el rock patrio, ¡parecen un grupo surgido de los pantanos de Illinois! La verdad es que las dos caras del disco parecen álbumes diferentes y es que el buen hacer de los nuevos miembros sumado a la madurez de los veteranos crea una atmósfera ideal para el Blues sudoroso.

Abrí la carpeta y pinche la cara A. La verdad es que el disco estaba nuevo, o casi nuevo. Tras realizar la ceremonia de colocar la aguja encima del vinilo, comenzaron a sonar las olas del mar, aquel relajado sonido te transportaba al relax, cerré los ojos y comenzó a sonar un redoble de batería, para a continuación entrar a saco dos guitarras, un bajo y la potente voz de San, que a veces parecía desafinada, pero cuando llegó el estribillo, se me endulzó el día, estribillo pegadizo donde los haya y la melodía perfecta de Xab en forma de solo mientras el resto de los instrumentos se apartan a un segundo plano, "Aloha" se titula esta maravilla. El segundo corte, "Forest", es un medio tiempo que recuerda a Echo and the Bunnymen, esta vez cantada por la aterciopelada voz de Xab, que te acompaña a en un viaje a través del espacio-tiempo. El resto de la cara A es un viaje a través de la historia del grupo, ya que estas canciones están grabadas por la primera formación de la banda, con Markus a la guitarra solista y Cheiri a la batería, "Traffic" es el medio tiempo en el que Markus aparece con fuerza, mientras que en "Bad Reputation" la bateía de Cheiri se impone por encima de los demás instrumentos, pero es en el quinto corte del Lp, en la acústica "A Wish" donde se haya la magia y la delicadeza del grupo, pieza clave para comprender la historia del Pop patrio, clásico donde los haya, que sirvió durante años como música de cabecera para un programa de Radio 3.

La cara B es otra maravilla, ya con la nueva formación, cuatro canciones contundentes ideales para ir con el coche a toda velocidad. Cuatro canciones que hacen recordar a las largas y rectas autopistas americanas, canciones que huelen a la Ruta 61, a la autopista del Blues. "Big Truck", ya con Frank sustituyendo a Markus en las seis cuerdas, nos hace recordar con su machacón riff, al vaivén de esos grandísimos camiones de dieciocho ruedas que recorren las carreteras, mientras que "Swamp" nos transporta a las raíces del Blues eléctrico, gracias, en gran medida, al bottleneck de la Es335 de Xab. "Sun King", un homenaje al Elvis de los primeros años, es desde mi humilde punto de vista, un acercamiento a las grabaciones al estilo de producción que hacían en la antigua Sun Records, música inmediata grabada en directo, vigor, firmeza en la interpretación y ejecucción, sin subterfugios y sin soltar de pie del acelerador. Tras este tema unos segundos extra de silencio para dejarnos sin habla con la larga y lisérgica "Dinosaur T-Rex/My son eyaculate in you/Brainstorm" Tres temas grabados en directo en el estudio como si fuera uno solo. Desde la contundente "Dinosaur T-Rex", hasta la lisérgica "Brainstorm" pasando por la Punk "My son eyaculate in you", unir estos tres temas parece una obra de ingeniería perfecta, en la que cada nota, cada cambio de ritmo y cada solo cuadra de una manera perfecta, tres canciones confeccionadas en tres épocas diferentes en la vida de nuestros protagonistas se unen para componer lo que es uno de los mejores temas nunca arreglados, producidos y grabados en la península.

Cuando retiré la aguja del vinilo suspiré e imaginé lo que sería un concierto de The Fathers Of The Fuckers Eyaculators, contundencia, ganas, tablas y fuerza.

Extraño suceso.

Supongo que la vida está ahí, hay que vivirla. Lo supongo porque estoy vivo, esto que escribo es una mierda y no sé lo que debo escribir. La verdad es que envidio a Xabi por soltar esas parrafadas así, de esa manera y quedarse tan ancho. Es genial poder deshacerte del lastre por medio de la escritura, aunque, tal vez lo mejor sea ver a donde me lleva este texto inútil.

El otro día soñé con una estatua con forma humana, subida a su atril, un enorme atril tallado en mármol blanco y con incrustaciones metálicas. Pensé que eran horribles, no entendía como alguien con talento para tallar semejante fisonomía perfecta, podía incrustar en su atril aquel metal oxidado.

La estatua me miró, sus ojos tenían vida, brillaban y creí que balbuceaba unas palabras en un idioma que no conocía. Miré alrededor y creí ver una figura que se acercaba, era Diógenes que caminaba hacia su casa, pasó por mi lado, no me veía. Es un sueño, me dije, por eso no puede verme a pesar de realizar aspavientos y de hablarle. La estatua siguió balbuceando en ese condenado idioma, le dije que lo sentía pero que no entendía, y seguí a Diógenes hacia su casa. Cruzamos un viejo puente por encima de un río, subimos una cuesta y allí estaba su hogar, su casa, su vida entre cuatro paredes de ancha piedra. Para acceder a la misma había que subir una angosta escalera de cemento, allí estaba la vieja puerta mal pintada en color verde, sacó una llave y abrió la misma. Un olor a suciedad y a putrefacción llegó a mi nariz. Diógenes entró y dejó la puerta abierta, abrió la ventana de una habitación que resultó ser la cocina y la claraboya de la habitación del fondo. Decidí entrar conteniendo la respiración. El piso era de madera vieja, Diógenes tenía una cocina y un baño en perfecto estado de uso, pero sucio. Aquello estaba plagado de polvo y de cosas. ¿Cosas? Sí, cosas. Películas en VHS y DVD, periódicos amarillentos del año 1989, discos de vinilo, Cd's... Todo amontonado, unas cosas encima de otras, polvo, mal olor y bichitos que me picaban y me subían por las piernas. Decidí salir de la casa para poder respirar. Oí como Diógenes encendía su televisor y se disponía a romper papeles viejos y a hacer un montón con los trozos mientras un reality era emitido a todo volumen.

Bajé la angosta escalinata, miré alrededor y observé todas las casas de una y dos plantas que había alrededor, hasta que alcé la vista y vi la casa del Presidente. ¿Porqué no? Me dije. Y me dirigí a la misma. Unos grandes y espesos muros rodeaban la finca, pero me colé entre los barrotes. Nadie me vio. Era un sueño. Caminé unos cien metros por encima del húmedo césped, descalzo y en pijama y me topé con el Presidente. Era alto y desgarbado, con gafas, estaba tomando un zumo de pomelo y leyendo unas notas para un, supongo, discurso. Digo supongo porque leí por encima de su hombro y probé el zumo. No podía verme, era un sueño. Miré la casa, era enorme, y me pregunté que haría Diógenes de tener esa casa tan grande, ya sé, la llenaría de cosas que no valen para nada.

Decidí irme para no molestar al Presidente con mi presencia, aunque no pudiera verme, aunque tal vez llegara un momento en el que me materializaría. Decidí irme a casa. Caminé, quedaba a unos cinco kilómetros, me dije que tal vez pasara el autobús o un taxi que me evitara el trayecto, más que nada porque estaba dormido y al día siguiente tenía que madrugar para ir a trabajar. No había tráfico, ni tampoco gente por las calles, deambulé durante mucho tiempo, horas, y me encontré con la estatua. Allí, a su lado estaba Diógenes, intentaba desclavar la estatua del suelo para llevarla a su casa. La estatua intentaba hablar y Diógenes le decía a gritos que si iba con él a su casa le haría compañía.

Entonces pasó por allí un gran coche negro, se bajó la ventanilla trasera y allí estaba acomodado el Presidente, la verdad es que no sabía como podía haber llegado con ese enorme coche en el que no había nadie tras el volante. El Presidente miró la escena, no entendía nada y yo tampoco. Diógenes miró al Presidente y siguió a lo suyo. Decidí continuar el camino hacia mi casa.

A veces hay gente que lo quiere todo y todo lo desea, supongo que así es el ser humano. Al entrar por la puerta de casa decidí desayunar ya que estaba amaneciendo, en ese momento sonó el despertador. Me desperté, me levanté de la cama de un gran salto y comprendí definitivamente que todo era un sueño, aunque estaba muy cansado, supongo que sería por la aluzinación que acababa de tener.

Con la garganta seca y los ojos llenos de legañas me dirigí hacia la cocina, todo lo que necesitaba era un gran vaso de agua fría, cual fue mi sorpresa al llegar a la misma y verme a mí mismo en pijama desayunando. La cafetera echaba humo y el aroma del café llenó mi nariz. Me pregunté a mí mismo, o sea al otro yo que estaba desayunando, que hacía allí y me respondí a mí mismo que estaba almorzando después de comentar la extraña noche que había pasado. En fin, que decidí beber el vaso de agua, darme una ducha fría y vestirme para ir a trabajar, no quería llegar tarde. Y nos fuimos, yo y yo mismo, a entrevistar al Presidente a su enorme casa, antes pasamos a visitar a Diógenes y a su nuevo amigo, la estatua balbucenate. Decidí dejar a mi otro yo con Diógenes y su nueva estatua, de lo contrario el Presidente creería que acudía a la entrevista en compañía de mi hermano gemelo.

Ella.

Bécquer, el gran olvidado.

De camino, en compañía de un amigo, hacia la inauguración de una exposición sobre el dandismo que se celebra en un museo de la localidad donde resido, charlábamos sobre literatura fantástica contemporánea y de terror moderno. Pensé que normalmente cuando nos referimos a autores de este tipo de literatura, siempre aludimos a figuras como Poe (uno de mis escritores preferidos) Lovecraft, Irving y tantos otros autores extranjeros, olvidando a importantes figuras como Emilia Pardo Bazán o Gustavo Adolfo Bécquer, autores que editaron obras de esta índole.

En la citada exposición encontré símbolos de actitud autocontemplativa e introvertida como el mito de Narciso. Así y a modo de reverberación contínua surgirá el concepto de dandi decimonónico y su deriva contemporánea. En la citada muestra las obras se distribuyen siguiendo tres tipos de dandismo a partir de George Bryan Brummell, Oscar Wilde y Charles Baudelaire. Aunque me encanta la obra de Wilde no me podía sacar de la cabeza la anterior conversación con mi amigo, ni tampoco a Bécquer.

He de reconocer que desde siempre me he sentido identificado con el retrato de Gustavo Adolfo Bécquer, pintado por su hermano Valeriano. Aunque nunca estuve obsesionado con el mismo como Dana Andrews con el retrato de Gene Tierney en Laura (Otto Preminger, 1944).

Los tonos oscuros de la obra nos reflejan a un dandi romántico, a la vez enfermo, trascendente, altanero y de mirada retadora, cuya juventud dulcifica su temperamento intrínsico y que ha pesar de la misma, ha vivido mucho.

Cuando me refiero a establecer una conexión personal con la imagen, no sólo sugiero la recuperación de un lejano recuerdo de mi etapa escolar, también recuerda su forma de entender la poesía, de palabra breve, sobria, clara y precisa sin extravagancias y excesos. Los poemas de Gustavo Adolfo Bécquer se pueden ver, oler, tocar, oír, saborear. Imágenes tan precisas y envolventes como las palabras sencillas.

Poeta, narrador y periodista, Gustavo Adolfo Bécquer (Sevilla, 1836 - Madrid, 1870) es la cumbre literaria del Romanticismo español. Comenzó con una vida bohemia y precaria, entregada al dibujo y la poesía. En 1857 cayó enfermo de tuberculosis y más tarde padeció una enfermedad venérea; todo ello, unidos a los fracasos amorosos le provocó una sombría visión de la existencia.

Desde aquí no pretendo ilustrar con su biografía (la web está lleno de ellas) simplemente evocar su figura, tan vapuleada y mal vista en la actualidad, recordar que no solo los anteriormente citados Poe, Irving y Lovecraft publicaron obras fantásticas y de terror. Recuperemos La venta encantada o relatos como el Monte de la ánimas, que de verdad, merecen la pena.

Carta abierta a David Ortega Sanz.

Estimado señor Ortega,

Hace aproximadamente tres o cuatro años, no lo recuerdo con exactitud, acudí como cada primavera, a la tradicional feria del libro que se celebra en la localidad donde resido. Entre otras obras, adqurí un libro escrito por usted, de título "Van Halen" y editado en el año 1999 por Cátedra.

Le seré sincero, adquirí el libro por su irrisorio precio con descuento, por sus atómica fotos y, por el setlist de cada gira que usted incluía al final de la obra.

Pues bien, aproveché estos navideños días para desenpolvar y leer el volumen en cuestión. A su favor, y a modo de comentario, le diré que por un momento, estuve dudando entre leer su obra o un goloso y recién adquirido volumen de Arthur Schopenhauer. Sé que las comparaciones son odiosas pero ¿¡qué quiere que le diga!? ¡Estoy siendo sincero!

Estimado señor Ortega, usted se autodeclara periodista, en ningún momento pondría en duda de que usted dispone, seguramente colgado en alguna de las paredes de su domicilio, de un título universitario en Ciencias de la Información o similares, ¡Dios me libre! Pero no solamente con un título universitario escribe el hombre, querido. Los títulos universitarios no escriben ellos solitos. La verdad, siendo sincero, y que quede entre usted y yo, escribir sobre una banda como Van Halen debe de ser excitante: grandes discos multiplatino repletos de temas maravillosos, mastodónticas giras de infarto descargando decibelios por todos los grandes arenas yankees. Giras repletas de todo tipo de excesos. La magnética personalidad de David Lee Roth, la atómica técnica de Edward Van Halen a la guitarra (una técnica, tapping, ya existente pero que en manos de nuestro pequeño amigo se elevó a niveles marcianos), orgías con cientos de mujeres hermosas... En fin, hasta yo mismo me excito solamente con pensar en la biografía que escribiría, si me dieran la oportunidad de crear una obra sobre una de mis bandas de referencia. En cambio, usted realiza, con toda la montonera de material escrito disponible sobre la banda, y que mismamente hasta podría fusilar, una obra fría, repetitiva, aburrida y con un léxico de niño de tercero de primaria.

Caso aparte merecen sus afirmaciones, porque a ver si se aclara, por un lado dice que en 1984, Van Halen era un grupo "de culto". Por otro, afirma que en 1984, Van Halen era una banda multiplatino que llena estadios allá donde pisan. Decídase, o es una cosa o es la otra ¿pero las dos a la vez? Sinceramente, ¿Sabe usted lo que significa una "banda de culto"? Por no mencionar su trabajo de campo, trabajo en el que seguramente se empapó de bibliografías y referencias como "Iggi Pop" (Iggy Pop), "Kodac" (Kodak), "Diamon" (Diamond) "Led Zeppellin", "Led Zepellin" (Led Zeppelin), "Pivie" (Peavey) o "Jimmy Hendrix" (Jimi Hendrix) por citar algunos que recuerde.

Por otro lado, está la redacción y la ideografía del texto, que es horrorosa, como por ejemplo, tras repasar la etapa Roth con el grupo, período en el que según usted editaron seis Lp's, remata la faena desdiciéndose a sí mismo con que 1984, sexto y último disco publicado con Roth al frente, es el primer y único disco oficial que grabó el grupo. ¿¡!? A ver si se aclara.

Para concluir estimado señor Ortega, manifestarle mi repulsión al leer o intentar interpretar semejante bodrio y afirmarle también de paso, que antes de sentarse delante de un Pc, Mac o máquina de escribir es necesario documentarse, saber hacerse entender y conocer minimamente el lenguaje y la semántica del idioma en el que escribe. Porque, aunque usted lo dude y la p con la a formen pa o la f con la e formen fe, hace falta algo más para hacerse entender.

En fin, imitaré al detectivesco personaje de Vázquez Montalban, Pepe Carvalho y, como seguramente su libro arde bien, lo emplearé para encender la chimenea en éste frío mes de enero.

Atentamente,

Samuel A.

Kiss me, deadly. El beso mortal (1955)

Kiss me, deadly (El beso mortal)

Director: Robert Aldrich.

Guión: A.I. Bezzerides, según novela de Mickey Spillane.

Fotografía: Ernest Laszlo.

Música: Frank De Vol; canción interpretada por Nat King Cole.

Intérpretes: Ralph Meeker, Albert Dekker, Paul Stewart, Cloris Leachman, Maxine Cooper.

Nacionalidad: USA, 1955.

Blanco y Negro, 106 minutos, 1.66:1.

Este lluvioso fin de semana decidí acudir a mi filmoteca personal. La verdad es que tengo almacenados un montón de DVD's y decidí desempolvar algunos, como "White heat" (Al rojo vivo, Raoul Walsh, 1945) y la que hoy nos ocupa, "El beso mortal."

Robert Aldrich (1918-1983) decidió adaptar la novela "Kiss me, deadly" (titulada en tierras hispanas "Red Siniestra",1952) de Mickey Spillane, aunque consideró que la trama era algo enrevesada y se producían un sinfín de muertes por un mero caso de drogas. El director decidió variar el final, aunque en el film la trama también es poquito enrevesada, lo que obliga al visionador estar muy atento.

Lo más grande de esta película es la impecable caligrafía cinematográfica de la cinta (maravillosos contrapicados, excelentes encuadres, un magnífico uso de la profundidad de campo...), la grandísima interpretación de Ralph Meeker (la más grande de su vida) y una monumental fotografía en blanco y negro de Ernest Laszlo, que hace recordar joyas como The Maltese Falcon (El halcón maltés, 1941).

La verdad es que podría estar lanzando verborrea escrita sin parar sobre tamaña joya cinematográfica. Con un presupuesto de 410.000 dólares se creó una obra maestra del cine negro, (del cine de serie B y de ciencia ficción; por el precio de uno llévese tres) Aunque el año de su estreno solamente recaudó 882 dólares en Estados Unidos.

Ralph Meeker da vida al detective privado Mike Hammer, creado por el escritor Mickey Spillane (1918-2006) en la novela de 1947, "I, the jury" (Yo, el jurado). Hammer aparecería en un total de trece novelas entre ellas "Kiss me, deadly". Spillane fue acusado de sexista, ultraderechista y pornográfico por los medios de su país, ya que en sus novelas, aparte de la naturaleza violenta y sexual de sus historias, presentaba a la mujer como un mero objeto sexual. A pesar de todo lo anterior, sus libros son muy entretenidos, pura novela negra, y el personaje Mike Hammer, (junto con Sam Spade y Philip Marlowe) se ha convertido en el paradigma de detective duro cuya ética personal es más importante que las convenciones legales de la sociedad. Aunque Hammer poco tiene que ver con Spade y Marlowe, le falta empatizar con el público. En palabras de Antonio Santamarina: “La preocupación por obtener beneficio propio de la investigación que lleva a cabo y el desprecio a las normas de cualquier código de conducta que no se funde en su propio egoísmo convierten al protagonista en un participante más de la podredumbre moral del país; impide, además, la existencia de un punto de vista moral que guíe su actuación y lo incapacita para cumplir la función ética de testigo frente a los espectadores.”

"El beso mortal" es una cúspide absoluta del cine negro americano. Digna de entrar directamente en el Olimpo de los grandes finales míticos del celuloide (¿Qué llevaban Vincent y Jules en el maletín durante todo el metraje de Pulp Fiction? Tarantino, seguramente visionó este film. Aunque también el amigo George Lucas porque ¿Qué se hallaba en el interior del Arca perdida?).

El comienzo del film es uno de los más inquietantes de la Historia del Cine, y no han pasado ni tres minutos de metraje cuando ya comenzamos a sumergirnos en una espiral de tensión, violencia y sadismo. Sus primeras constantes: El movimiento contínuo, ningún personaje permanece quieto más de diez segundos. Aunque también nos encontramos un "macguffin", un objeto que irrelevante al principio, va adquiriendo una entidad más que reveladora y se convierte en algo esencial al final del filme.

La gran interpretación de Ralph Meeker es perfecta, ofreciendo un personaje chulesco, machista y desagradable que, ocasionalmente, muestra rasgos de compasión y simpatía. Todas las mujeres que se acercan a Mike Hammer caen en sus brazos, pero no más allá de sus brazos, la tensión sexual es subyacente pero inconsumable.

A medida que se desarrolla el argumento, el detective va cambiando sus motivaciones, primero tratando de desvelar el motivo del asesinato de Christina, después anhelando cínicamente el dinero que pudiera llevar aparejado a la investigación sobre su muerte y, por último, persiguiendo a aquella a la que desea.

Película con un aura pesadillesca y bizarra, de ambientación oscura, confusa y envilecida, con una atmósfera asfixiante. Aldrich nos lleva de viaje a través de un "tour de force" al mismísimo apocalipsis, con un Mike Hammer más violento y psicótico que los tipos a los que persigue.

Clásico inexcusable, un peliculón realizado con pocos medios pero con tanta clase, estilo e interés que resultan asombrosos. El film fue prohibido por la censura franquista en España. En el Reino Unido, la importantísima escena de la tortura a Cloris Leachman fue eliminada en su estreno.

En 1984, Alex Cox recupera la misteriosa caja de ésta cinta en la extravagante y floja "Repo-Man."

El gran Aldrich ha influído a tantos y tan variados cineastas posteriores que resulta hasta contradictorio, desde la Nouvelle Vague, pasando por Walter Hill y colectivos gays hasta el mismísimo Quentin Tarantino.

"El detective Mike Hammer recoge a una autoestopista en la noche, al poco son interceptados por unos acosadores y, tras torturar a la muchacha, los tiran por un precipicio... Hammer sale indemne y, tras recuperarse, no descansará hasta aclarar lo sucedido."

Jacinto Molina Álvarez, álter ego: Paul Naschy.

El lunes por la noche falleció, a la edad de 75 años, Paul Naschy víctima de un cáncer. En nuestra retina se quedan más de cien filmes que nuestro licántropo hispano protagonizó. Un coloso del cine nacional, poco reconocido por nuestra casposa industria hispana, al igual que el gran Jess Franco. Tal vez muchos seguidores de nuestro cine discurran que Naschy es un actor menor o que sus filmes son cutres, pero en muchas de aquellas películas de serie B se respira cine real, cine de bajo presupuesto realizado con el corazón y las entrañas, algo que le falta a muchas de las películas que concurren a los premios Goya.

Jacinto Molina Álvarez nació un 6 de septiembre de 1934 en Madrid. Creció durante la dura Guerra Civil española, salvándose de ser fusilado después de que su propio hermanastro le denunciase. Estudió Arquitectura y Ciencias Exactas (aunque nunca terminó), trabajó como escritor de novelas de vaqueros, fue dibujante para discográficas y hasta llegó a ser campeón de España en levantamiento de pesas en 1958. Su impresionante físico fue lo que le llevó a trabajar como extra en el film rodado en España, "Rey de Reyes" (Nicholas Ray, 1961). Decidió dedicarse al cine depués de visionar "Frankenstein y el hombre lobo" (Roy Williem Neill, 1943) película que le marcó. Aunque en sus memorias, "Cuando las luces se apagan"(Fundación A.I.S.G.E. / T&B Editores), recordaba que la primera película de terror que contempló, era en realidad apta para todos los públicos: "Blancanieves y los siete enanitos" (David Hand, 1937) "Y me dio tanto miedo la bruja que me hice pis en los pantalones".

Figuró como extra en el film "55 días en Pekín" (Nicholas Ray, 1963), y tras varios rodajes como figurante, escribe el guión de "La marca del hombre lobo" (Enrique López Eguiluz, 1968) que además protagoniza. En ese punto comienza su verdadera carrera, pero cuando el film se estrena en Alemania, el distribuidor germano le obliga a cambiar el nombre por otro más comercial, de cara a la venta de las películas en otros países. Nace Paul Naschy, que en éste film interpreta al licántropo Waldemar Daninsky, (Waldemar era el nombre de un levantador de pesas húngaro). Comienza así una extensa carrera cinematográfica, buena parte de la cual corresponde al citado personaje de Daninsky, de hecho encarnó en 14 filmes al licántropo, "Me fascina, es muy humano y fatalista", "Hacer de hombre lobo exige una gran fuerza física y capacidad de actuación. No hay nadie así en el cine español. Bueno, tal vez Javier Bardem", aseguraba Naschy.

Nunca se arrepintió del cambio de nombre: "Nunca me he arrepentido de ese cambio. Sería desagradable renegar de él". Trabajó constantemente sin descanso, hasta completar más de cien filmes. Encarnó al Conde Drácula, la momia, demonios, zombies, jorobados, a cualquier personaje que le resultara atractivo. De ahí el sobrenombre de "El Lon Chaney español", por su facilidad para las mil caras. En 1987, dirige "El aullido del diablo", coprotagonizada junto con Caroline Munro, en éste film interpreta a ¡8 personajes!

Escribió 40 guiones y dirigió 14 películas, "Mi aportación a la historia de nuestro cine puede que haya sido pequeña, pero existe".

En persona, Jacinto Molina era una persona jovial y encantadora, de mirada amable que sólo se transformaba en volcánico en la pantalla. Físicamente era muy musculoso, iba al gimnasio incluso en sus últimos años.

Dirigió documentales y películas con referencias niponas, contratado por productoras japonesas, incluso mejoró su inglés para rodar en Hollywood, ya que en Estados Unidos seguía siendo famosísimo.

El día 22 de enero se estrenará su penúltimo trabajo: "La herencia de Valdemar" (José Luís Alemán, 2010) El próximo 2010 también se estrena la última participación en un film del gran Paul Naschy. Se trata de la película de Fernando Cortizo "O Apóstolo" (en producción), el primer largometraje español stop-motion rodado con plastilina, en el que Naschy presta su voz, y está previsto se estrene el próximo 25 de julio, en la compostelana Praza do Obradoiro, con la música en directo del genial Philip Glass.

Paul Nascy entró en el Hall of Fame del cine fantástico y de terror junto con Tim Burton, recibió la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes en 2001, fue homenajeado en los festivales de cine de Sitges y de Oporto y recibió el galardón Carl Laemme. La industria española nunca supo que hacer con él, y en los últimos meses un movimiento había solicitado firmas para que recibiera el Goya de honor. Ya no habrá tiempo para enmendar tamaño error.

"La leyenda no la haces tú, la crean los demás" Jacinto Molina Álvarez aka Paul Naschy.

El imaginario del Doctor Parmassus.

EL IMAGINARIO DEL DOCTOR PARMASSUS.

(The Imaginarium of Doctor Parmassus.)

Dirección: Terry Gilliam.
Intérpretes: Heath Ledger, Christopher Plummer, Lily Cole, Jude Law, Johnny Depp, Colin Farrell.
Género: Fantástico.
País: Reino Unido. 2009.

"Genio maldito" era el titular de una entrevista que el director Terry Gilliam concedió al diario The Independent. Él lo niega, "(...) he realizado muchas películas bastante cercanas a mi concepción inicial, y no, no veo ninguna maldición destrozándome la vida (...)" Gilliam ha dirigido nueve películas y desde "Brazil" (1985) y ha tenido infinidad de problemas en el rodaje de muchas de sus obras. Durante la adaptación de "Las aventuras del Barón Munchaussen" (1988) se pasó del presupuesto inicial. "Tideland" (2005), fue rechazada por su distribuidor, mientras rodaba la citada "Brazil" se quedó paralítico una semana por el stress y no nos olvidemos el fracaso de "Don Quixote", reflejado en el documental "Lost in La Mancha"(2002), incluída la lesión de espalda del protagonista, Jean Rochefort, que no pudo volver a montar a caballo.

Gilliam ha tenido que ir salvando obstáculos durante toda su carrera, rechazando proyectos como "Watchmen"(2009) o "Forrest Gump" (1994) y siendo rehusado, a su vez, por la Warner para dirigir la primera entrega de "Harry Potter"(2001).

"Es extraño, la muerte de Heath Ledger ha mejorado mi idea original", Terry Gilliam dixit. La película, marcada por la muerte de Ledger en mitad del rodaje, parece convertirse en otro punto para añadir a la "mala suerte" del director.

Heath Ledger, que falleció durante el rodaje de una sobredosis accidental de barbitúricos, el pasado 22 de enero de 2008, lo tenía todo para convertirse en uno de los mejores intérpretes de su generación. "Era muy inteligente (...) nunca tuve que darle una instrucción, se volcó en el rodaje, exprimía cada plano y multiplicaba la valía de sus personajes (...)" recuerda Gilliam.

Para la parte de la cinta que quedaba sin rodar, las incursiones en la mente de Parmassus, contaron con Jonhhy Depp, Jude Law y Colin Farrell, amigos de verdad de Ledger y hasta contaron con el apoyo de Tom Cruise. Pero el director insiste en la importancia de Ledger: "Él plantó las ideas, Johnny, Colin y Jude siguen su senda (...) Nunca sabremos dónde hubiera llegado porque no tenía límites." El ex Monty Pyton nunca tiró la toalla y ha dado con una atrevida solución para batir su mala suerte, que evoca los vergonzantes apaños de "Saratoga" (1937), "Plan 9 of outer space" (1956) o "Juego con la muerte" (1978) -películas que suplieron la muerte de sus estrellas, Jean Harlow, Bela Lugosi y Bruce Lee respectivamente, con dobles muy poco convincentes.- Pero en éste caso, el trabajo de Jude Law, Johnny Depp y Colin Farrell desarticula su nefasto recuerdo y convierte a los antes mencionados en sustitutos oníricos del malogrado actor, en un juego que acaba sirviendo a la contradictoria naturaleza del personaje.

En definitiva, "El imaginario del doctor Parmassus" es un delirio en torno al mundo del circo, la paternidad y la lucha entre el bien y el mal con aluciantes imágenes e ideas brillantes.

Para sumar más mala suerte al currículum de Gilliam, el director se sobrepuso de un atropello en el Soho londinense antes del estreno de la cinta en el festival de Cannes.

Gilliam afirmó que: "Construí ese imaginario muy lentamente y me concentré en que los viajes fueran muy rápidos. ¡Teníamos muy poco dinero!" El presupuesto no superó los 40 millones de euros.

O sea que ya saben, si deciden visionar "El imaginario del doctor Parmassus", purifiquense antes, no vaya a ser que les inocule infortunio.

Caroline Munro: Cuando el erotismo se hizo mujer.

Estoy cansado de que tanto Hollywood como los medios me digan que ésta o aquella petarda es una gran actriz o que esa misma "gran" actriz es es un sex symbol ¿Ser un sex symbol es tener un cuerpo bonito, o es algo más? Supongo que un sex symbol es una persona capaz de representar el atractivo erótico y sexual, pero muchas veces no es así y nos hacen ver o creer que cualquier fulaninata de tomo y lomo es una sex symbol simplemente porque lleva un vestido ajustado a sus carnes.

El personaje que hoy nos ocupa ha sido un sex symbol en toda regla, referente de miles de pajilleros adolescentes, aparte de una buena actriz. ¿Su nombre? Caroline Munro.

Caroline Munro nació el 16 de enero de 1950 en Windsor, Berkshire, Reino Unido. Hija de la actríz Janet Munro ("The trollermberg horror", "The day the earth caught fire") fue una frustada estudiante de arte al no conseguir la nota suficiente para cursar la carrera.

Se inició posando como modelo de andar por casa para un amigo que estudiaba fotografía, esos retratos llegaron a las manos del popular artista y fotógrafo David Bailey, quien la convenció para trabajar como modelo profesional.

Comenzó a trabajar para la revista Vogue, con apenas diecisiete años, tras de ganar el concurso de belleza "Face of the year", competición organizada por el diario "The Evening News". No tardó en aparecer en portadas de revistas, protagonizar campañas publicitarias y trabajar como cotizada modelo. Asimismo también ejerció de cantante grabando el single "Tar and cement" acompañada por el Yes, Steve Howe y los Cream Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker.

Irrumpió en el mundillo del séptimo arte como figurante sin acreditar, participando en films como la parodia de James Bond "Casino Royale" (1967) y debutó oficialmente con la película de aventuras dirigida por James Clavell, "El ladrón rebelde" (1969). Ese mismo año figuró en el western "Talento por amor" (1969) a las órdenes de Richard Quine y que tuvo como compañeros de reparto a Richard Widmark, Eva Marie Saint, Cesar Romero y Judd Hamilton con quien terminó contrayendo matrimonio.

Dueña de un erotismo desmesurado se convirtió en una de las musas de las productoras Hammer y AIP, protagonizando cintas de terror y ciencia ficción principalmente.

En los setenta intervino en "El abominable doctor Phibes" (1971) de la Hammer, acompañando a Christopher Lee y participó en "Dracula 73" (1972) también con Lee y Peter Cushing. Intervino con el alemán Horst Janson, en el poco valorarado pero genial clásico de la Hammer: "Capitán Kronos: Cazador de vampiros" (1974) de Brian Clemens. Esta cinta es una excelente simbiosis entre el género fantástico y la épica de capa y espada, con detalles de western e influencias de Sherlock Holmes. La sobresaliente realización de Brian Clemens, un consistente guión, todo ello aderezado con la espléndida fotografía de Ian Wilson y una atmostefa fascinante, hacen de éste film una auténtica joya olvidada para el gran público.

Coprotagonizó "El viaje fantástico de Simbad" (1974) de Gordon Hessler, guionizada por Brian Clemens, con un magnífico John Philip Law como compañero de reparto. Cinta de aventuras que contaba con la excelente labor a los efectos especiales a cargo del gran Ray Harryhausen que con su técnica de dynarama y stop motion, creó una pinacoteca de criaturas para la posteridad.

En 1977 se convirtó en chica Bond en la décima aventura de la saga, "La espía que me amó", cinta dirigida por Lewis Gilbert y protagonizada por Roger Moore, Richard "Tiburón" Kiel y Barbara Bach. Exóticas localizaciones, bellas mujeres y malos malísimos hacen de ésta cinta una de las mejores de la saga Bond, con un estupendo Roger Moore encarnando de nuevo al espía, todo ello impregnado de toques de comedia.

De nuevo el gran Roger Moore logra aquí una de las mejores interpretaciones de su carrera, en uno de los papeles más longevos, codiciados y populares del septimo arte. Suspense, drama, romance, acción y comedia surfean en ésta cinta dirigida por Lewis Gilbert (otro punto a su favor) lograrán que el espectador se fascine por ésta cinta, caso aparte la impresionante secuencia de apertura.

Protagonizó, como estrella absoluta, la divertida cinta "Starcrash" (1978), película italiana de serie B dirigida por Luigi Cozzi, en la que Caroline interpreta a Stella Star. Este film de sci-fi cósmico está inspirado en el tremendo éxito de la espacial "La guerra de las galaxias" (1977). Caroline vuelve a lucir palmito acompañada de gente como David Hasselhorff, Christopher Plummer o su maridísimo Judd Hamilton.

Ese mismo año, 1978, recibió una suculenta oferta de la revista Playboy para ser chica de portada, pero la Munro dió con la puerta en las narices al mismísimo Hugh M. Hefner, ya que fue una de las pocas scream queens que jamás recurrió a desnudarse en la gran pantalla para conseguir más popularidad o papeles.

A partir de 1980 comenzó su declive profesional, que la llevó a participar sin pena ni gloria en films como "Maniac" (1980) de William Lustig. Rodada en Alemania y con producción yanqui, "Maniac" narra en clave de thriller las desventuras de un serial killer interpretado por un Joe Spinell pasado de vueltas.

Se rió de ella misma en la cinta, "The last horror film" (1982), película dirigida por David Winters y guionizada por su marido Judd Hamilton, en la que interpretaba a una actriz de cine de terror acosada por un taxista obsesionado por sus huesos.

Tras divorciarse de Hamilton se casó con el guionista y director George Dugdale para quien protagonizó "Slaughter High" (1986). También trabajó en la serie de televisón "Cinderella: the shoe must go on" (1986).

En 1987 protagonizó "El aullido del diablo", escrita, dirigida y coprotagonizada por el gran Paul Naschy, quien interpreta ¡8 papeles!

Ese mismo año, 1987, protagoniza la cinta del incombustible Jess Franco "Los depredadores de la noche". Estuvo trabajando en varias producciones y series de televisión hasta la actualidad. Participó en un nefasto papel a las órdenes de Luiggi Cozzi en el film "Black cat" (1990). Tras una larga pausa en su carrera debido a su nueva profesión, la de madre, Caroline ha continuado apareciendo en películas y series.

Cabe destacar su aparición en el film de Terry West "Flesh for the beast" (2003). Ahora mismo trabaja en el proyecto "Eldorado", en postproducción y que está previsto que se estrene en primavera de 2010. En este film dirigido por Richard Driscoll, acompaña a Daryl Hannah, Michael Madsen y el recientemente fallecido David Carradine.

Caroline Munro, actriz serena y de natural hermosura, hoy considerada actríz de culto, poseía una belleza cautivadora, uno de los rostros más bellos del cine fantástico y emitía un inmenso erotismo en la pantalla. De mujer de Doctor Phibes a "chica Bond" pasando por víctima de Drácula o compañera de Simbad. En el año 2000 se le rindió un homenaje a su carrera en el festival de cine de Estepona.

Se dice que incluso estuvo a punto de protagonizar un film basado en el comic de la editorial Harris e ilustrado por el gran Pepe Gonzalez, "Vampirella". Una pena, puesto que Caroline sería una Vampirella insuperable y podríamos estar hablando de otro icono cimematográfico a la altura de Johnny Weismuller - Tarzán o Christopher Reeve - Superman.

Tetro, la última de Coppola

TETRO

Dirección: Francis Ford Coppola.

Intérpretes: Maribel Verdú, Vincent Gallo, Carmen Maura, Klaus Maria Brandauer, Alden Ehrenreich, Rodrigo De La Serna.

País: USA, Italia, España, Argentina,2009.

Color: Blanco y negro, Color.

Hoy me encantaría poder realizar la crítica de la última película de Terry Gilliam, "El imaginario del doctor Parmassus" pero como en Compostela solamente disponemos de dos salas de cines, resulta que aquí aún no ha llegado. Recuerdo que cuando era un chaval había un montón de cines en la ciudad, pero hoy en día sólo quedan dos salas y como una es propiedad de Cinesa y la otra, en parte también, las dos proyectan practicamente lo mismo, menudo coñazo. Tendremos que desplazarnos a Vilagarcía para ver cine diferente y tomar una cervecita con su correspondiente pincho en una de las terrazas de la fantástica zona del Maremagnum. La verdad sea dicha, tengo hecho esto en más de una ocasión y lo he disfrutado mucho. Una cervecita en una terraza, con el sol de invierno calentándote el cuerpo, después disfrutar de una sesión de cine y para rematar que mejor que una Guinness bien tirada o un calentito café cafetero, de los de verdad, en el Hybernian. A veces los placeres más rudimentarios son los mejores. Pero este fin de semana no me he desplazado a Vilagarcía, aunque tampoco conozco con exactitud su cartelera, este fin de semana he decidido ir a mi filmoteca personal y hacer limpieza entre el millar de películas que tengo almacenas pendientes de ver y ¿qué me encuentro? "Tetro" la última de Coppola que no he llegado a ver en el cine, por que no me apeteció ir en su momento o por que se me pasó, no recuerdo. El caso es que este sábado la recuperé para disfrutarla en la intimidad del hogar. Tal vez el subconsciente me alertó sobre los últimos y frustantes (frustados) bluffs del maestro, "Jack" (1996) o "Legítima defensa" (1997), aunque tal vez las haya realizado, supongo que para intentar encajar en el cine comercial de los noventa.

A ver, Tetro es el primer guión original escrito total y exclusivamente por el maestro Coppola desde esa obra maestra titulada "La conversación" (1974). La historia de esta película trata sobre una tragedia familiar con ecos autobiográficos. En su primera mitad, el fime parece ir por el camino de convertirse en una actualizada versión de "La ley de la calle" (1983), pero después parece que trata de otrogarle una grandilocuencia a la historia que la convierte en un culebrón, vamos, que quedan en evidencia los problemas previos al rodaje, con supuesto robo de guión incluído.

Rodada lejos de Hollywood, en Argentina concretamente, y en parte en blanco y negro, tal vez para intentar crear un cine más personal y cómodo, Coppola no "necesita" que la película funcione economicamente, ya que hace años que los viñedos pagaron todas las hipotecas.

¿El reparto? Coppola ha apadrinado a más de una generación de jóvenes talentos, solamente ver las dos primeras partes de "El Padrino" (1972), (1974) o "Rebeldes" (1983), aunque esta vez no hay una hornada de jóvenes actores, pero sí un inmenso Vincent Gallo y el joven Alden Ehrenreich como principal "descubrimiento" del film, (habrá que esperar para comprobar lo que da de sí) también habita en esta cinta una genial Maribel Verdú, a la sombra de los anteriores, pero que demuestra que es una gran actríz de talento y que puede ponerse a las órdenes de cualquier director, por grande que éste sea y sacar brillo a cualquier personaje que encarne.

Esperemos que en la próxima, titulada "On the road" y con fecha de estreno en 2011, el Maestro nos demuestre que a sus 7o años (la edad que ahora tiene) sigue siendo uno de los grandes, aunque ya nada tiene que demostrar a estas alturas.

El retorno de Faith No More: We reunited, again!

Ocurrió el pasado mes de abril. Mi primo se fue de viaje vacacional en compañía de su novia a London town, traeme un regalo, le dije. Pasados dos días recibo una llamada suya, "Faith no more van a tocar aquí, en Londres, el próximo mes de junio" Él sabe que me encanta esa banda, y que en ésta gira de reunión no incluía España, le pedí que tratara por todos los medios posibles e imposibles que consiguiera un ticket, aunque cuando los nervios abandonaron mi cuerpo recordé que nos encontrábamos en pleno 2009 y decicí acudir a la red de redes para intentar conseguir una entrada. El sistema se colgaba cada vez que estaba a punto de dar el Ok definitivo a la operación, agarrando el correspondiente berrinche por tener que comenzar de nuevo. En la pantalla aparecía el mensaje"Espere unos minutos" para seguidamente quedarse colgado. Era imposible calmarme y la verdad es que era un coñazo tener que empezar de nuevo a introducir los datos de la tarjeta de crédito y seguir uno a uno los pasos que me pedía el puñetero cacharro. Por fin apareció el ok definitivo, rápidamente acudí a mi correo electrónico para confirmar que disponía de la entrada al concierto. Respiré tranquilo. El siguiente paso fue preparar el viaje, el vuelo y el hotel, pan comido comparado con el coñazo de conseguir la entrada por internet, ya que el servidor de marras estaba masificado y se colgaba por la gran demanda de tickets.

Una vez en Londres y después de un día de turismo por la ciudad nos plantamos delante del Brixton Academy, rebautizado como Brixton O2 Academy, ya se sabe, hoy en día todo tiene patrocinador, nos ponemos a la cola, tuvimos que doblar la esquina de la calle ya que la larga fila llegaba hasta dos calles más atrás. Había fans de todos los tipos y clases sociales, desde los típicos heavys y punks hasta yuppies con encanto y de edades comprendidas entre los 17 y los 47 años, de lo más variopinto, la verdad. El ambiente era de cordialidad entre los impacientes fans pero se respiraba una atmosfera de nerviosismo. Ya por fin en el interior del recinto, que presentaba un tremendo sold out, buscamos el lugar más adecuado para colocarnos antes de la esperada descarga. Una vez acomodados en un estratégico, centrado y apretado sitio, me deleito con el interior del edificio. El Brixton Academy es, sin duda, el principal local de conciertos de Gran Bretaña, habiendo sido votado como "Mejor Recinto" del Reino Unido por los lectores del New Musical Express por séptimo año consecutivo, y como "Recinto del Año" 2000 y 2001 por Live Magazine. El Academy nació en 1929 como Astoria Theatre. Era el primer teatro "atmosférico" del Reino Unido con la fachada y entrada típica de la arquitectura Art Deco del momento. Internamente, el auditorio es una obra maestra arquitectónica con el arco del proscenio basado en el mundialmente famoso Puente de Rialto. Para coincidir con el Nuevo Milenio, el Brixton Academy está siguiendo un calendario de importantes remodelaciones, como la instalación de un nuevo techo de seguridad al fondo del Auditorio y nuevos lavabos y salidas de seguridad. En sus 16 años de historia, el Academy ha alojado acontecimientos de los más importantes artistas del mundo de la música. Desde The Clash y Prodigy hasta Prince y Diana Ross (y otros como David Bowie, The Rolling Stones, etc...) Aparte de que los protagonistas que nos ocupan grabaron aquí su único directo. En medio, el Academy ha servido como escenario de películas (Velvet Goldmine y Poirot por nombrar dos) o lugar de lanzamiento de productos. La política del local ha sido siempre decir SÍ, y pensar en las maneras de llevarlo a cabo.

Una vez apagadas las luces de la sala Faith No More o lo que es lo mismo Mike Patton, Roddy Bottum, Mike Bordin, Billy Gould y Jon Hudson, se apagan las luces y con el escenario en penunbra comienza el concierto. La banda salta a las tablas elegantemente vestidos con sus impolutos trajes al ritmo del tema "Reunited", una canción del dúo Peaches and Herb, tal vez sea un broma pero desde luego interpretan el tema con una intensidad que hace que se convierta en una emotiva introducción a la descarga que después vendría. El foso comenzó a iluminarse con las artificiales luces de los móviles y alguna que otra cámara de fotos, estaba prohibida la entrada de cámaras, pero ya nos conocemos las trampas para colarlas. Una tenue luz iluminó a Mike cuando comenzó a cantar, aunque en este tema compartió tareas vocales con Roddy. El público empezó a corear el estribillo de la canción. Nada más terminar con "Reunited" una gran ovación casi me deja sordo, las siguientes son "The real Thing" y "From out to nowhere" que nada más terminar nos cae encima "Land of sunshine" y "Caffeine", todo seguido, sin parones. El Brixton se viene abajo, no podemos dejar de saltar y gritar, la siguiente canción hace que nos calmemos un poquito porque "Evidence" no hace que saltes, hace que te retuerzas. El atmosférico "Chinese Arithmetic", tema de su segundo Lp, es el siguiente que tocan, la verdad es que personalmente nunca le presté la suficiente atención a ésta canción pero he de reconocer que en directo gana muchos enteros. "Surprise! you're dead" cae como un rayo por su tremenda rapidez. Después de unas palabras de Mike tocan la supercoreada "Easy", después vendrían "Last cup of sorrow" y otra de las favoritas del público "Midlife crisis", que hace que se nos seque la garganta de tanto berrear. Tras de unas palabras suena "Cukoo for caca", nunca creí que tocarían este tema, no venía en ninguna de mis quinielas y seguro que tampoco en ninguna de las quinielas de muchos fans que allí nos congregabamos. Desgraciadamente no tocaron "Time forward" un instumental del compositor ruso Georgy Sviridov y que sirve de intro para una canción que se encuentra entre mis favoritas y que tampoco sonó "Zombie eaters", pero bueno no se puede tener todo en esta vida.

"Gentle art of making enemies" suena con una rabia incontrolada por parte de la banda y la calmada"Rv" es la siguiente. MIke canta mejor que nunca y suena otro tema que no esperaba como la grandiosa"King for a day". Las siguientes sonanron sin parones y es que con "Malpractice", "Jizzlobber" y "Be agressive" hace que te des cuenta que esto se termina. Parece que se acaba pero aún suena el último puñetazo: "Epic", otra de las favoritas de los fans, que hace que el público se vuelva completamente loco y no paremos de saltar, gritar, bailar y berrear el estribillo. Rematan la faena con "Mark Bowen." Vuelven a los pocos minutos, en la primera tanda de bises, con una versión de "Chariots of fire" de Vangelis para empalmar directamente con "Stripsearch" y con una larga, relajada y coreada "Just a man" abandonan de nuevo el escenario. ¿Para cerrar? Que tema mejor que una supercoreada "I started a joke" seguida de otro tema que no entraba en mis quinielas: "Pristina", esta vez sí que se terminó. Se echaron en falta temas como "Introduce yourself", "Take this bottle", "We care a lot" y otras tantas pero no vamos a quejarnos. Se vaciaron en escena después de casi dos horas de música y eso es lo que cuenta, cuando una persona se gasta un dineral en la compra de un ticket, y espera tantos años para volver a ver en vivo a una de sus bandas favoritas, no solamente busca entretenimiento, busca algo más y Faith no more han sido capaces de vaciarse en un escenario y han sabido darnos lo mejor de sí mismos. Las ejecuciones fueron perfectas, la banda suena como una locomotora y Mike es el frontman perfecto, creo que tiene mejor voz que nunca y derrocha un energía contagiosa y desbordante.

Faith no more están de vuelta, esperemos que para quedarse muchos años, grabando buenos discos y continuando la estela dejada con aquel potente "Album of the year" (1997), aunque me quedo con la desilusión de no encontrar nada sobre este concierto, ni sobre esta gira en nuestra hispánica prensa especializada.

Cosmic Egg ¿Próximo éxito mundial?

Como diría Jack el Destripador, vayamos por partes. Mucho se ha especulado sobre el nuevo disco de Wolfmother y mucho es una palabra que crea incertidumbre. Por una lado la poco amistosa marcha "por motivos irreconciliables" de Chris y Myles y el fichaje de los nuevos miembros. Por otro, el retraso en la salida del Lp, doble en formato vinilo (al igual que su anterior álbum) Aparte de que el single de adelanto, Back Round, no está finalmente en el track list del nuevo trabajo. Inclusoel grupo se cambió el nombre por el de White Feather para algunos conciertos, recuperando posteriormente la denominación Wolfmother.

Los nuevos miembros de la banda son Aidan Nemeth, guitarra, Lan Peres bajo, teclados y Dave Atkins bateria que junto al único superviviente de la vieja formación, Andrew Stockdale guitarras y voz, conforman los nuevos Wolfmother. La formación actual es ahora un cuarteto y el título del nuevo trabajo, Cosmic Egg, proviene de una posición en yoga aunque también es un guiño al gran Marc Bolan, el disco finalmente saldrá al mercado con una gira mundial que comienza el próximo mes de noviembre.

Cosmic Egg, producido por Alan Moulder (The Smashing Pumpkins, Depeche Mode, Gary Numan, Nine Inch Nails, A Perfect Circle, The Jesus And Mary Chain...) tiene la difícil misión de satisfacer a los escépticos seguidores de Wolfmother, pendientes de lo que ocurriría después de todos los cambios y problemas habidos en el seno de la banda.

El adictivo y vigoroso segundo single, éste sí que aparece en el Lp, New Moon Rising, es el tema más asequible del álbum, musicalmente hablando. Su pegadiza melodía vocal recuerda a los Black Sabbath de Ozzy, aparte de que la portada del single es excelente y personalmente me ha encantado. Andrew es un tipo que cuida todos los detalles y tanto la portada de los dos Lp's de Wolfmother como las carátulas de los singles están cuidadísimos y el art-work, como siempre, es maravilloso, por eso he decidido estampar aquí la portada del single, para disfrute de todos.

Se han creado muchas espectativas sobre este segundo trabajo del grupo y ahora que lo tenemos en las manos ¿qué nos encontramos? El álbum consta de doce temas con cuatro bonus tracks extra en el formato de doble cd De luxe limited edition. En el interior se haya una colección de temas que sigue muy de cerca la línea trazada en el primer trabajo, sonido a Rock Clásico con claras reminiscencias hacia Sabbath, Zeppelin, Guns N' Roses o Kyuss y aunque las comparaciones son odiosas, Andrew está encantado con ellas. Temas como White Feather o Far Away llenan de nuevos matices la música del grupo, caso aparte el cañonazo California Queen que abre el album.

En definitiva, Cosmic Egg puede llegar a convertirse en uno de los grandes disco del año que está acabando, aparte, espero impaciente la visita de Wolfmother por estas tierras para disfrutar en directo de estas canciones, que seguro que en vivo ganan aún más enteros. ¿Próximo éxito mundial? Si el anterior album lo consiguó, éste no tiene por que ser menos y como dijo cierto crítico musical: "Vuelve Wolfmother porque Led Zeppelin no puede" Clasicismo y vanguardia pueden congeniar, claramente lo demuestra éste álbum y claramente se demuestra que pueden competir con lo más granado del Rock actual.

Track list:

01 – ‘California Queen’

02 – ‘New Moon Rising’

03 – ‘White Feather’

04 – ‘Sundial’

05 – ‘In The Morning’

06 – ’10.000 Feet’

07 – ‘Cosmic Egg’

08 – ‘Far Away’

09 – ‘Pilgrim’

10 – ‘In The Castle’

11 – ‘Phoenix’

12 – ‘Violence Of The Sun’

13 – ‘Cosmonaut’ (Bonus Track)

14 – ‘Eyes Open’ (Bonus Track)

15 – ‘Back Round’ (Bonus Track)

16 – ‘Caroline’ (Bonus Track)

Let's get lost

Dirección: Bruce Weber.
País: USA.
Año: 1988.
Duración: 119 min.
Género: Documental, musical.
Intervenciones: Chet Baker, Carol Baker, Vera Baker, Dick Bock, Paul Baker, William Claxton, Flea, Chris Isaak, Lisa Marie, Andy Minsker, Jack Sheldon.

Con permiso de Miles Davis ningún otro trompetista ha sabido captar el fenómeno de la soledad y la tristeza como el gran personaje que hoy nos ocupa, Chet Baker.

La semana pasada pude ver el magnífico documental de Bruce Weber sobre la figura de Chet Baker, de título Let´s Get Lost, documental que me ha seducido.

Esta película se estrenó en Estados Unidos en el año 1988, restaurada para ser visionada en Cannes en 2008 y que ahora llega a las salas comerciales españolas, supongo que con poquísima repercusión. Espero que los organizadores del Festival de cine que se celebra el mes que viene en Compostela, Cineuropa, tomen buena nota y nos hagan el gran favor de proyectarla para disfrute de los amantes de este género en particular y del cine en general.

Chet Baker, el trompetista rompecorazones, amante de los coches, adicto a las drogas y especialista en echar abajo todo lo que construía con su música y que terminó por destruirse a si mismo.

Bruce Weber crea una obra maestra con mayúsculas, de fotografía maravillosa y ritmo exquisito.

El director sostuvo que Chet “era un tipo duro de verdad, y un terrible pesimista, siempre de mal humor; tenía una voz maravillosa, pero se enfadaba si se lo decías. Me recordaba tanto a los hombres mayores de mi familia... No había ninguna mujer que después de conocerle no quisiera saber más de él al día siguiente. Le gustaban las mujeres y los dulces, y yo solía pasarme por su casa de Santa Bárbara a saludarle con una tarta y acompañado de Christy Turlington, o de otras modelos... ¡Y claro, así me fue tomando simpatía!”.

Sara

Su belleza era muy dulce y muy dura, su rostro tenía la placidez lógica de toda materia que se sabe homologada en todo tiempo y lugar. Sus finos y torcidos labios se convertían en una noche estrellada cuando sonreía y unos blancos y perfectos dientes sobresalían de esa boca que era de la consistencia de fruta sedosa, nocturna y caliente. Una sonrisa de carne sana y rouge enmarcada por una cabellera castaña, casi pelirroja y unos ojos verdes me observaban atrevidos, osados.

Sus facciones eran bien cultivadas por la buena alimentación, la higiene regularizada y una libertad de expresión que presta al rostro la serenidad del acróbata que trabaja con red. Llevaba el rostro pintado al temple y tenía la piel blanca de las jóvenes pulcras y bien cuidadas.

La vez que nos saboreamos mutuamente con la mirada, pasó su vista por mi rostro como quien pasa por un objeto reencontrado y almacenado pero yo, desde mi interior, saboreé a la mujer e imaginé sus vencimientos. Hubiera sido estimulante, fascinante penetrar en aquella fortaleza litúrgica donde podía ser cuestión de culto hasta el empleo de alguna que otra blasfemia liberadora. Los buenos placeres siempre están en la memoria y en la memoria se queda éste encantador deleite visual.

Lo que más me seducía de ella era el atractivo de su actitud. Sólo he vuelto a verla en dos ocasiones y aunque en un principio la que me atraía era su amiga, después de conocer a éste animal, su camarada se había evaporado de mi mente, como un ente etéreo se evapora en el instante en que los sueños dormidos se despiertan.

ÁGORA

ÁGORA

Dirección: Alejandro Amenábar.

Intérpretes: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Londsdale.

España 2009.

Resulta más que admirable la capacidad de Alejandro Amenábar para cambiar de temática y de géneros, afrontar riesgos y rodar con una libertad creativa ganada a pulso y basada en una pasmosa seguridad en si mismo.

Su cine tiene poder de atracción para cualquier tipo de público, independientemente de las historias que cuente, puede ser perturbador y emocionante, terrorífico e intimista. Su carrera está plagada de buenos films como la terrorífica "Tesis" o la tragedia del guaperas triunfador convertido en monstruo en "Abre los ojos" (aunque desfallece al revisarla) y esas sensaciones impagables de "Mar adentro" retrato de la enfermedad, del sufrimiento y de la muerte que paradojicamente se convierte en un complejo himno a la vida.

Las espectativas en cuanto a Ágora eran muy grandes y más cuando te enteras que la trama se desarrolla en la Alejandría del siglo IV. Deduces el esfuerzo de meterse en semejante historia, incluída la montonera de pasta gastada en una superproducción de época (reconstruir un mundo tan lejano, vestuario, decorados etc.) pero Amenábar tiene muy claro lo que quiere contar y es consciente del reto que supone la estética y la ética del film en cuestión. Viendo el resultado de la película es imposible hacerle reproches a su argumentación moral ni a su tono narrativo, a lo que trata de contar y a la forma de hacerlo. Pero desde mi humilde punto de vista, a esa fuerza expositiva, a la crítica del fundamentalismo religioso y la asfixia que éste ejerce contra el pensamiento libre le falta la capacidad de conmoción para implicar emocionalmente al espectador en una historia tan terrible para que el progresivo acorralamiento que sufre esa astrónoma atea te toque las entrañas, es una película fría, estratégica o involuntariamente, pero fría. No huele a cartón piedra y la ambientación es notable, también está muy bien explicado el fanatismo, la metodología siniestra y el hambre de poder el depredador cristiano, puedes conectar con ella pero no te llega al corazón, por lo menos en mi caso, y aunque lo desee y mi cerebro conecte con ella no consigue meterme en su interior. La veo y la escucho con agrado (aunque se hable demasiado en algunos momentos).
Están bien los actores, Rachel Weisz y Michael Londsdale pero no me creo a los jóvenes actores. Es una película bien rodada, laboriosa y pensada pero no enamora.

La protagonista de este film Rachel Weisz da vida a Hypatia que junto a Cleopatra y Justine representa perfectamente el alama de Alejandría, la capital de los Ptolomeos. La ciudad de las rencillas religiosas. "La ciudad de las cinco razas, cinco lenguas y una docena de religiones, en reflejo de cinco flotas en el agua grasienta, más allá de la escollera pero con más de cinco sexos", como la describió Durrell en su Cuarteto. Crisol de tantos sueños, amores y maravillas.

Ágora es una ficción cinematográfica, sujeta a las convicciones del género pero que ya ha creado controversia entre los que creen que se trivializa, adultera y falsifica la vida y la obra de Hypatia.

Aunque en realidad no tiene sentido ponerse muy estupendos sobre el particular puesto que no es mucho lo que sabemos a ciencia cierta de esa extraordinaria mujer a la que, por turbación de los amantes de Egipto, encarna la misma actriz que hizo de Nefertiti en The Mummy returns, aunque aquí está mucho más serena, más filosofa y viste el adusto tribon y no los sensuales corpiños de fantasía faraónica de la película de Stephen Sommers.

Hypatia nació alrededor de 355 en Alejandría, en plena élite académica de la ciudad, pues era hija de Theon, el último gran nombre que puede asociarse al Museo, una de las grandes señas de identidad de la metrópoli. La chica colaboró con su padre, a cuyo lado aprendió astronomía, matemáticas y otros saberes, inclinándose especialmente por la filosofía. Encontramos su nombre por primera vez en los comentarios de Theon al Almagesto de Ptolomeo en los que consta la anotación "Edición revisada por mi hija Hypatia la Filósofa" No ha sobrevivido ninguna de las obras originales de Hypatia pero una fuente nos dice que "era por naturaleza más refinada y talentosa que su padre" No hay evidencia de que Hypatia fuera miembro del Museo ni "la última bibliotecaria", y ya ni digamos una belleza, como algunos la han considerado.

Sabemos que Hypatia montó su propia escuela, donde impartió enseñanzas de ciencias pero asimismo de ética, ontología y filosofía (las enseñanzas de Platón, el neoplatonismo de Amonio Sacas y Plotino, en un clima que nos la muestra también como algo cercano a lo que denominariamos un gurú. También sabemos que murió a los sesenta años y no cuarentona. Su muerte fue más bien un producto de envidias políticas en el seno de la lucha por el poder.

Durante años se quiso ver a Hypatia como la última pagana enfrentada al cristianismo aunque es un personaje femenino extraordinario, libre, que destacó en un tiempo en el que la mujer tenía poco acceso al conocimiento y a la fama. La primera científica conocida. La prostera llama de la sabiduría y la tolerancia en un mundo embrutecido que se despeñaba a la barbarie. Un faro en la ciudad que, esplendorosa en su ruina, continúa iluminándonos.